Попробуйте 2-секундный трюк Фрэнка Ллойда Райта, чтобы увидеть свой дом в новом свете

Обаяние антиурбанизма (50+ фото): обзор «Дома над водопадом» Фрэнка Ллойда Райта и почему он так знаменит?

«Дом над водопадом» Фрэнка Ллойда Райта воплощает гармонию человека и природы

Представить себе современную архитектуру и дизайн интерьеров без вклада Фрэнка Ллойда Райта, антиурбаниста, теоретика и фундаментатора органической архитектуры, создателя открытой планировки и любителя минималистичных японских построек, не просто сложно, а практически невозможно. За более чем 70 лет непрерывного творчества этот американец привнес в сферу дизайна больше идей и инноваций, чем кто-либо из его современников, выведя эстетические традиции не только США, но и всего мира на абсолютной другой качественный уровень.

  • Немного о создателе
  • «Дом над водопадом»
  • Планировка, материалы и концепция
  • Факты о Фрэнке Ллойде Райте

Немного о создателе

Расцвет творчества Райта закономерно пришелся на начало XX века. Отойдя от влияния романтизма архитектуры Г. Ричардсона, Фрэнк Ллойд Райт начал создавать объекты, интерьеры и предметы, отвечающие его собственному видению эстетического – в равной мере элегантному и аскетичному.

Так на свет появилась знаменитая серия так называемых домов в стиле прерий, выполненных в характерном для японских построек минималистичном стиле. Речь идет в первую очередь о доме Уиллитса в Хайленд-Парке (1902), доме Мартина в Буффало (1904) и доме Роби в Чикаго (1909).

13


Дом в стиле прерий может иметь каменную или деревянную отделку

Дом Юсониан от Фрэнка Ллойда Райта (США)

«Дом над водопадом»

Однако самым выдающимся эталоном органической архитектуры маэстро стал созданный в 1939 году «Дом над водопадом» (другое название – дом Эдгара Дж. Кауфмана), признанный менее чем через 30 лет после постройки национальным историческим памятником США.

Дом опирается на камни, с которых рыбачил Кауфман вместе с супругой

«Дом над водопадом» – великое благо, возможно, одно из величайших, какие можно познать здесь, на земле. Наверное, нет ничего, что можно было бы сравнить с гармонией и покоем, какие возникают тут из сочетания леса, реки, утеса и элементов конструкции. Водопад здесь слышишь так, как слышишь тишину земли…» (из обращения Фрэнка Ллойда Райта к Тейлизинскому товариществу).

15




Жители этого дома, вероятно, более непосредственно, чем какого-либо другого, вступают в связь с природой – этот аспект глубоко коренится в творчестве Райта. «Дом у водопада» известен во всем мире в основном по фотографиям, которые обычно делаются с середины водопада и показывают выступающие консолью балконы и террасы.

Этим домом Райту удалось добиться контакта его жителей с ущельем, с деревьями, листвой, дикими растениями. В каждой части здания подчеркивается великолепие окружающей природы, ставшей неотъемлемой частью повседневной жизни.

Прекрасные тропы под навесом из деревянных балок

Одна из террас в «зимнем одеянии»

Планировка, материалы и концепция

С нижнего этажа открывается вид в трех направлениях. Отсюда выходят две террасы: одна смотрит на реку, другая выносится над утесом и водопадом. На следующем этаже у каждой спальни есть своя терраса, а также из кабинета и галереи-спальни на третьем этаже можно выйти на их собственные внешние террасы.

На заметку! Все вертикальные элементы дома сделаны из местного камня, при этом он слегка выступает из кладки для придания ей скульптурной выразительности. Все горизонтальные элементы – из монолитного бетона. Полы тоже, как стены, выложены из камня, а столярные изделия выполнены из тщательно обработанного свилеватого ореха.

15




В целом весь «Дом над водопадом» демонстрирует знание, тщательность и уважение Райта в обращении с натуральными строительными материалами. Он видел всеобщую нехватку такого уважения в творениях других архитекторов как своего времени, так и прошлого. Камень, кирпич и дерево – это основные архитектурные материалы, которые долго прятали, закрашивали, заштукатуривали и всячески изменяли ради моды или вкусов.

Райт же использовал их в своих работал тем способом, который считал наиболее соответствующим их природе, например, позволяя массе камня стать доминантным элементом дома или же комбинируя оттенки кирпича в объемах и формах, которые его прославляли. Дерево же было самым любимым изо всех материалов Райта.

Не менее важным элементом творчества архитектора стал железобетон. Сталь, объединенная с бетоном, стала великолепным элементом, способным породить новую архитектуру ХХ столетия. «Дом над водопадом», башня лабораторного корпуса фирмы «Джонсон» и башня Х. С. Прайса – все это примеры мастерского использования Райтом железобетонных консольных конструкций с разнообразной внешней отделкой.

Красивое, гармоничное и грамотное сочетание используемых материалов делает дом неповторимым

Факты о Фрэнке Ллойде Райте

Интересно знать! Как бы парадоксально это ни звучало, но при всей продуманности проектов за плечами у Райта не было высшего профильного образования – он так и не окончил инженерный факультет Висконсинского университета, а школьное обучение проходил с матерью на дому.

15




  • На его внутреннее мировоззрение больше повлияли популярные в то время кубики Фребеля, книги Рескина и Виоле ле Дюка, нежели школьная или студенческая скамья.
  • После этого немаловажную роль отыграла длительная архитектурная практика в ателье Адлера и Салливена.
  • К слову, именно так Луис Салливен стал для молодого Фрэнка единственным любимым мастером естественности и целостности в создаваемых объектах.

Внешняя отделка загородного дома в стиле прерий

Цитата из автобиографии Райта: «Когда в 1893 году я начинал свою самостоятельную работу в области архитектуры и строил первые дома, которые порой без всякого смысла называют «новой школой Среднего Запада» (все, что ни делается в этой суетливой стране, немедленно получает рекламный ярлык), единственный путь упрощения ужасающей моды в строительстве заключался в том, чтобы создавать лучший замысел и осуществлять его».

13


  • Facebook
  • Google+
  • Email
  • Gmail
  • Pinterest
  • Twitter

Фрэнк Ллойд Райт и его «Дом Сторера»: бетонное кружево, блокбастеры и банкротство

Великий американский архитектор Фрэнк Ллойд Райт был невероятно скандальным человеком, и жизнь его была благодаря этому полна нервных историй. Некоторым его постройкам “передался” характер создателя. “Дом Сторера” в Лос-Анджелесе — отличный пример такой вот архитектурной наследственности.

Великий американский архитектор Фрэнк Ллойд Райт был невероятно скандальным человеком, и жизнь его была благодаря этому полна нервных историй. Некоторым его постройкам “передался” характер создателя. “Дом Сторера” в Лос-Анджелесе — отличный пример такой вот архитектурной наследственности.

Текст: Ian Phillips
Фотограф: Stephan Julliard

А рхитектор Фрэнк Ллойд Райт, автор самых иконических построек ХХ века, включая «Дом над водопадом» и музей Гуггенхайма в Нью-Йорке, был велик, строптив, скандален — и гениален. Одной из его характерных черт была неуёмная склонность к экспериментам с конструкциями и материалами. Одним из его интереснейших изобретений были так называемые «текстильные блоки» — штука, которую он придумал в 1920-х годах.

В то время пытливый ум Райта занимала проблема создания строительного материала одновременно дешёвого и декоративного, а ещё выражающего суть «истинно американского архитектурного языка». Экспериментировать он решил с бетонными блоками, которые называл «самыми дешёвыми (и уродливыми) вещами в строительном мире». «Они жили в архитектурной помойке и использовались для «имитации камня», — писал Райт. — Я решил посмотреть, что можно сделать с этими бомжами. Я верил, что они могут обрести благородство, красоту и перманентную ценность». Добиться волшебного преображения он решил путём нанесения на поверхность блоков орнамента по мотивам архитектуры майя. Часть блоков была перфорированной, чтобы пропускать внутрь помещений свет и воздух. Кроме того, Райт предложил укладывать блоки без раствора — вместо этого они соединялись стальными штырями, словно бы «сплетаясь» друг с другом. Многие критики считают, что из-за метода соединения название «текстильный» и пошло. Впрочем, внук Райта, архитектор Эрик Ллойд Райт, уверен, что ассоциации с тканью возникли из-за фактуры поверхности блоков. В любом случае, сам Фрэнк термин «текстильный» по отношению к своему изобретению не употреблял аж до 1927 года, а к этому моменту он уже вовсю строил здания с использованием нового материала. И стройки эти выявляли, что технология требовала доработки.

Задний двор «Дома Сторера» в Лос-Анджелесе, архитектор Фрэнк Ллойд Райт (1923). Фото 2013 года.

Одной из первых жертв райтовского эксперимента с блоками стал врач-гомеопат Джон Сторер. Он заказал Райту дом в 1923-м и триумфально разорился в процессе строительства. Одной из причин банкротства гомеопата стала, собственно, стоимость дома: она взлетела до небес, потому что Райт решил использовать блоки с четырьмя разными видами орнамента, и даже просто соединять их между собой оказалось дороговато. Это весьма ироничный момент, между прочим, если мы вспомним о том, что изначально Райт ставил своей целью создать дешёвый материал. Но с ним всегда примерно так и происходило, впрочем. Больше Райт так не делал — в остальных «текстильных» домах вариантов орнамента меньше, но дело было уже сделано: Сторера он разорил.

В любом случае отсутствие у заказчика денег помешало полностью воплотить в жизнь замысел архитектора. Дом был достроен, но не меблирован (если кто не помнит, внутреннее убранство своих домов Райт тоже всегда продумывал до тиранических мелочей). В 1927 году Сторер продал дом, и с тех пор в нём успело пожить много интересных людей. В начале 1930-х его арендовала жена другого знаменитого архитектора, Рудольфа Шиндлера; она была в восторге от пространств и атмосферы здания. В 1940-х дом едва не купила Айн Ренд, автор романа «Источник», сюжет и образ главного героя в котором были вдохновлены как раз биографией Фрэнка Ллойда Райта. Затем в 1970-х дом принадлежал психотерапевту Артуру Янову, изобретателю теории «первичного крика» и личному врачу Джона Леннона и Йоко Оно. Он использовал просторную гостиную дома для крикотерапии. Кроме того, «Дом Сторера» был одной из локаций съёмок фильма Ридли Скотта «Бегущий по лезвию» (1982).

Фрагмент фасада «Дома Сторера» в Лос-Анджелесе, архитектор Фрэнк Ллойд Райт (1923). Фото 2013 года.

Фрагмент внутреннего двора «Дома Сторера» в Лос-Анджелесе, архитектор Фрэнк Ллойд Райт (1923). Фото 2013 года.

Самый знаменитый хозяин у дома появился в 1984 году, — это был голливудский продюсер Джоэл Сильвер, автор таких франшиз как «Смертельное оружие», «Крепкий орешек» и «Матрица». Купив дом, он в течение семнадцати лет тщательно его реставрировал и даже привлёк к процессу Эрика Ллойда Райта. Недостающие блоки они заменили, использовав сырьё с заднего двора. Сильвер отремонтировал кухню и ванные, а также достроил ряд элементов, которые Райт запланировал, но так и не возвёл, например, декоративный навес над одной из террас и плавательный бассейн позади дома. Его пришлось копать вручную: техника не смогла туда проехать. Кроме того, Сильвер обставил дом многочисленными репликами мебели и аксессуаров по дизайну Райта, прикинув, что примерно такие архитектор бы там всё равно разместил. В числе этих предметов были торшеры и бра, а также ковёр в спальне, он был скопирован с Imperial Hotel в Токио — ещё одной знаменитой (и утраченной) постройки Райта. Кроме того, Сильвер поместил в дом рояль — Райт любил музыку и сам играл — и копию статуи Ники Самофракийской («Крылатая победа»), её Райт тоже любил.

Сильвер прожил в доме до 2002 года, а потом выставил его на продажу. Купившее дом семейство предполагает, что причиной этого стало недостаточное количество… шкафов: незадолго до продажи продюсер женился, и его супруге, возможно, было негде развернуться с нарядами. Так или иначе, Сильвер продал дом, и новые хозяева, увидевшие его вообще-то просто во время экскурсии, поначалу получали огромное удовольствие от жизни здесь (публикуемая нами съёмка сделана в 2013 году, как раз при них). Они меблировали дом чуть более комфортно, но тоже очень деликатно: поставили, например, столовую группу по дизайну Джорджа Накасимы, которая вполне вписывается в общую атмосферу здания. Стены декорировали скромно и почтительно снимками других «текстильных домов», сделанными известным архитектурным фотографом Джулиусом Шульманом.

Гостиная фасада «Дома Сторера» в Лос-Анджелесе, архитектор Фрэнк Ллойд Райт (1923). Фото 2013 года.

Столовая «Дома Сторера» в Лос-Анджелесе, архитектор Фрэнк Ллойд Райт (1923). Столовая группа по дизайну Джорджа Накасимы. Фото 2013 года.

Гостевая спальня «Дома Сторера» в Лос-Анджелесе, архитектор Фрэнк Ллойд Райт (1923). Фото 2013 года.

Фрагмент гостиной «Дома Сторера» в Лос-Анджелесе, архитектор Фрэнк Ллойд Райт (1923). Фото 2013 года.

Фрагмент столовой и вид на кухню «Дома Сторера» в Лос-Анджелесе, архитектор Фрэнк Ллойд Райт (1923). Фото 2013 года.

Вид из гостиной на террасу «Дома Сторера» в Лос-Анджелесе, архитектор Фрэнк Ллойд Райт (1923). Фото 2013 года, фотограф. Над этой террасой — навес по оригинальному чертежу Райта, восстановленный одним из владельцев дома, продюсером Джоэлом Сильвером.

Фрагмент гостиной «Дома Сторера» в Лос-Анджелесе, архитектор Фрэнк Ллойд Райт (1923). Фото 2013 года. Стоит присмотреться к стенам и изучить орнаменты на поверхности блоков.

Фрагмент сада при «Доме Сторера» в Лос-Анджелесе, архитектор Фрэнк Ллойд Райт (1923). Фото 2013 года. Мебель — реплики гарнитура, который спроектировал Фрэнк Ллойд Райт для кафе Midway Gardens в Чикаго (открылось в 1914-м, снесено в 1929 году).

Однако у жизни в архитектурном шедевре были свои недостатки, например, известное отсутствие приватности. «В нашу дверь всё время ломились люди, желающие осмотреть дом. Некоторые просто перелезали через забор, — вспоминают владельцы. — Было ощущение, что наш дом — голливудская знаменитость». В конце концов, они не выдержали и тоже продали дом. Случилось это в 2015 году. Новый владелец легендарного памятника тоже частное лицо, и, наверное, к нему тоже лазают через забор любопытные. Но пока он держится.

Ждём новых эпизодов этой увлекательной саги.

Фрагмент двора (с уголком бассейна) «Дома Сторера» в Лос-Анджелесе, архитектор Фрэнк Ллойд Райт (1923). Фото 2013 года.

20 забавных дизайнерских решений, логика которых не укладывается в голове

Как это называется? Ад Перфекционистам на такую картину лучше не смотреть!

Кажется, сама Барби долго не продержится на такой кухне

И ведь дизайнеры додумались до такого шедевра

Несложно догадаться, какой вид открывается гостям, которые приходят в этот дом

Вот так нужно продавать двери!

Что было в голове у дизайнера, когда он решил поместить холодильник в это место?

Как вам такое расположение унитаза? Видимо, унитаз в стене это круто

Как думаете, хозяева этих хором вообще под ноги смотрят или же любуются потолками и стенами?

Застелить всю ванную коврами — потому что это модно!

Напрашивается единственный вопрос — что это вообще такое?

Поразительно, но дизайнеру удалось уговорить хозяев, что балка в самом центре гостиной — это очень круто

Магия да и только!

Собственно, с такими ступеньками в дом в нетрезвом виде лучше не заходить…

С таким роскошным сливом потоп в квартире обеспечен. Вода однозначно выльется в дверной проем

А как вам такой оригинальный дизайн унитаза?

Хозяйка этой кухни безумно счастлива такой планировке

Думаете, что это плесень на плитке? Нет, это дизайн такой оригинальный, и не важно, что смотрится это очень жутко

Видимо, обычный и практичный дизайн сейчас является не особо и модным

Ну очень странная лампа

Супругам, которые находятся долго в браке, такая ванна точно придется по душе

Таня Егошина: «Люблю, когда графические объекты живут по законам физического мира»

Редактор в SKVOT

Таня Егошина — мультимедиа-дизайнер из Москвы, которая работала с «Т—Ж», баром «Стрелка», ЦУМом и еще десятком клиентов мечты. Сейчас Таня в команде Readymag — верстает крупные проекты для веба и делает энергичные гифки для инстаграма.

Интервью SKVOT-у Таня давала, сидя в ванне — белой, с латунными кранами, в розовых мраморных стенах. Оказалось, это самая удобная переговорная в офисе Readymag. В этой обстановке сдержанной роскоши Таня говорила о простоте и

Какой ты дизайнер?

Сложный вопрос. «Дизайнер» — это человек не в застывшем состоянии, а, скорее, в постоянном развитии и изменениях. Можно дать определение, но через минуту что-то в мире изменится — и эта формулировка уже не будет полной и точной.

Мой стиль ближе к чему-то простому и функциональному. Но при этом мне нравятся дерзкие и нескучные картинки.

Если бы я была логотипом, он выглядел бы как конструктор, который разбирается и собирается каждый раз в новые формы. Цвета были бы мои любимые — яркие и простые — красный, синий, желтый.

У тебя есть фишки?

Как таковых фишек нет, но есть излюбленные ходы. Мне нравится все делать максимально просто, придумывать по ходу, потому что некоторые решения незаметны сразу — они приходят в процессе. Нравится пользоваться одним размером шрифта в проекте. Делать буквы максимально крупными.

Люблю, когда графические объекты живут по законам физического мира. Например, для серии картинок в инстаграм type.today я делала буквы, которые или взрываются, как поп-корн, или распускаются, как цветочек:

Все зависит от того, с чем работаю. Обычно это типографика — и я отталкиваюсь от слова, фразы, текста. Смотрю, насколько слово или текст объемные, что с ними можно сделать. Разбираюсь, какая идея за всем стоит, и придумываю, через что ее донести. Пробую разные варианты, чтобы найти тот самый.

Круто, что сейчас есть неограниченное количество попыток — можно экспериментировать, пока не надоест. Рисуешь пиксели, правишь, стираешь, пробуешь заново — материал не задает рамки, пространство белого листа бесконечно.

Я постоянно пробую какие-то новые штуки, и со мной остается то, что понравилось больше всего. В итоге все складывается в одну систему с цветами, формами и анимацией.

Как ты стала дизайнером?

Сначала я очень долго — 15 лет — училась в художественной школе. Потом, когда надо было идти в институт, я решила, что художник — не самая классная профессия. А вот дизайн был ближе к тому миру, который мне хотелось попробовать и разгадать. И я поступила в Школу дизайна при НИУ ВШЭ в Москве.

Если честно, сначала я не очень понимала, на что я иду, куда и зачем. Сложно моментально выйти из мира натюрмортов, пейзажей и архитектурных набросков в буквы, сетки и правила верстки. Но когда начала учиться, довольно быстро почувствовала, что это — именно то, что нужно. И остановиться было уже невозможно!

Художественная база мне в профессии помогает. Классно знать основные понятия про работу с формой, цветом, контрастом и пространством. Можно потом ими пользоваться или не пользоваться — это уже твой выбор, но важно, что он у тебя есть.

Графический дизайнер — это кто?

Это тот, кто делает графический дизайн :)

Раньше было разделение: кто-то создает печатные штуки, кто-то — веб или анимацию. А теперь все делают всё, сложно разграничить направления.

Мне кажется, что уже нет «графического» и «неграфического» дизайнера. Веб оказывается в плакатах, а принципы графического дизайна захватывают веб. Теперь есть какая-то общая область — внутри нее все синтезируется, перетекает из одного в другое, заимствует и дополняет.

Раньше в дизайне было разделение, теперь все делают все

Эти принципы общности я почувствовала, еще когда я училась в художественной школе. Мы делили помещение с музыкантами — их уроки проходили за стенкой, и до нас периодически долетали обрывки их лекций. Еще тогда я обнаружила, насколько понятия в музыке созвучны с рисунком — те же ритм, композиция, насыщенность.

Мне нравится идея того, что всё в мире работает по одним законам. Если в них один раз разобраться, то дальше уже не важно, какое это направление дизайна (и дизайн ли это вообще).

На каких «китах» стоит графический дизайн?

Из четких и понятных правил: важно знать, как работать со шрифтом, сеткой, композицией. Наблюдать и следить за происходящим вокруг, потому что иногда решения могут находиться в самом неожиданном месте. Но это опять же не только про графический дизайн.

Хороший дизайн строится на логике, когда каждый ход, прием и движение четко обосновывается, и всегда можно ответить на вопрос «А это почему так?». Конечно, всегда можно сказать «Я так вижу», но это уже про другое, экспериментальное поле красивых и дерзких картинок.

Ты — дизайнер в Readymag. Как ты туда попала и чем там занимаешься?

Я делала много разных проектов в Москве и не только, и так через знакомых попала в Readymag. Сначала делала дизайны для рекламы и соцсетей как фрилансер, а ровно год назад меня пригласили в офис на фултайм.

Readymag — это команда мечты. Мне нравится, что это история без внешних заказчиков, всё происходит внутри команды, легко можно договориться и совместно придумать что-то невероятное. Все рядом и на одной волне.

Я занимаюсь очень разными вещами — делаю картинки и видео в соцсети, анимацию для рекламных кампаний, верстаю лендинги, спецпроекты. Например, Readymag Stories. Эта серия началась до меня, но последние выпуски делала я.

Самая интересная часть работы с Readymag Stories в том, что там есть уже утвержденная структура, но каждый раз нужно придумывать новый ход — чтобы верстка не была скучной и соответствовала героям. Есть сетка, которая задает ограничения, поэтому решения получаются интересными и неочевидными.

Какой свой проект в Readymag считаешь самым ярким?

Для меня это Designing Women — большой международный проект про женщин в дизайне. Помню, как он начинался, как редактировались тексты, как менялась структура.

Сначала вышла основная часть — эссе, специально написанное Мадлен Морли. Потом добавился раздел с биографиями выдающихся женщин в истории дизайна. И третьей частью стал раздел с дополнительными ресурсами — для самых любопытных и желающих окончательно разобраться в теме.

После запуска основного проекта Designing Women добавилась часть с русскоязычными подкастами. И совместно с Gogol School запустили интенсив.

Я впервые делала проект, в котором было столько разных форматов информации — довольно большой текст в первой части, фотографии и комментарии к ним во второй и списка в третьей. Части, абсолютно разные по структуре, менялись и дополнялись по ходу. Нужно было придумать систему, отвечающую всем требованиям — в этом был челлендж.

Во многих твоих проектах сторителлинг — важная часть. Ты училась ему?

Специально не училась — это скорее интуитивный процесс. Начинаешь работать и уже в процессе понимаешь и разбираешься, что к чему. Сразу оказываешься «в бою». Когда нет права на ошибку, учишься быстрее.

С чего начинаешь в крупных проектах?

Всё всегда по-разному и зависит от многих факторов.

Если проект (например, лендинг-статья) только стартует и материалы еще не готовы, то тексты и дизайн развиваются параллельно. Там процесс живой и подвижный. А если все утверждено и разложено по папкам, можно сразу закопаться в работу и через время выйти с полностью собранной штукой.

Если ситуация стандартная, то сначала я просматриваю файлы и думаю, как читателю или зрителю было бы удобнее и интереснее их изучать. Отслеживаю, к чему располагает сам материал — насколько большой текст, высокое ли качество у картинок, нужна ли анимация и так далее. На пересечении первого и второго появляется идеальное решение.

Подходы отличаются, но уровень сосредоточенности и внимания к процессу одинаковый.

Мне нравится, когда система еще гибкая и можно влиять, например, на те же тексты. В Readymag проекты мы делаем в рамках одной команды — можно попросить сделать больше или меньше букв во имя красивой верстки :)

С другими проектами так же?

Остальные проекты отличаются по формату. Мой любимый — картинки для событий, акций и новостей в инстаграм. Это легкий и быстрый формат, где можно позволить себе самые дерзкие эксперименты.

Например, моя недавняя штука для инсты — пост про 20 тысяч подписчиков у Readymag:

Как интерьер квартиры выдает отсутствие вкуса у хозяев

Наверное, каждому из нас приходилось находиться в доме, который хочется поскорее покинуть. Интерьер квартиры гораздо красноречивее хозяев, и может многое рассказать о владельце апартаментов. Давайте разберемся, какие элементы интерьера свидетельствует о том, что у хозяина жилья дурной вкус.

Однотонный интерьер

Сочетание бирюзового дивана с нежно-голубыми шторами и обоями цвета морозного неба гармонично только на первый взгляд. На практике оформление интерьера в одном цвете и применение его многочисленных вариаций только испортит ситуацию. Здесь работает правило: чтобы создать стильный и гармоничный дизайн, нужно продумать контрастные цветовые сочетания и разные варианты оттенков. Все детали в одном цвете – эта типичная ошибка многих владельцев жилья. Чтобы этого избежать, определите понравившиеся вам оттенки, а уже на их основе составьте интересную цветовую композицию.

Обилие светодиодных лент

Прямое назначение светодиодной ленты – подсветка чего-либо. Свет необходим там, где находится человек или какой-то интересный предмет. Например, настольная лампа на рабочем столе или освещение интересной картины на стене. А для чего нужна подсветка штор или потолка — неизвестно. Выделение рабочей зоны в кухне – это, пожалуй, единственное оправданное и полезное применение светодиодной ленты.

Обилие элементов декора

Главный принцип оформления любого интерьера – лучше меньше да лучше. По мнению большинства дизайнеров, переполненность – самый злейший враг удобства и эстетики в любой квартире.

Так, один высокий и вместительный шкаф станет отличной заменой множеству тумбочек и комодов. Бесчисленные сувениры и статуэтки лучше сложить в коробки для хранения или декоративные ящики. Когда все эти мелочи стоят на видных местах, в комнате создается ощущение хаоса.

То же происходит и с картинами, фотографиями и зеркалами. Неправильное размещение на стенах способно испортить любой интерьер. Не стоит также размещать эти предметы ниже или выше уровня глаз. Это помешает их визуальному восприятию и разрушит геометрию комнаты.

Бутафория

Было бы ошибкой обставлять квартиру, что называется, не по средствам. Обилие ненатурального декора не украсит ваш интерьер, а обнаружит дурной вкус хозяина. По мнению большинства дизайнеров, стоит избегать в отделке подражания камню, вагонке, дереву, использования дешевых фотообоев. Вместо этого попробуйте обратить внимание на модный скандинавский стиль, неоклассицизм или стиль лофт. Эти направления в дизайне универсальны и подойдут для оформления любого помещения, сделав его более просторным и современным.

Псевдорусский стиль оформления

Все помнят милые вещицы из сувенирных лотков: лешие и домовые из природных материалов, подковки на счастье, балалайки, веники-обереги. Избавьтесь от них, если таковые присутствуют в вашей квартире. Этим вещам не место в стильном интерьере. Игрушки из мешковины или огромный тапочек на входной двери, в кармашек которого сложены тапки для гостей – нежелательные и безвкусные предметы декора, которые лучше выбросить.

У меня как у соседа

Еще один показатель дурного вкуса – это стремление подражать какому-либо массовому явлению не потому, что это красиво, а потому что это есть в каждой квартире. Вспомните хотя бы то советское время, когда у всех на стене висели ковры. Если говорить о сегодняшнем дне, то вездесущая икеевская мебель превращается в признак дурновкусия и является точным маркером того, что хозяин не слишком стремиться создать в своем доме стильный интерьер.

Как придумать дизайн-концепцию: техники и инструменты для поиска идей

Как работают визуальные метафоры, чем может помочь искусство и какие онлайн-сервисы развивают креативность.

Даже технически безупречный дизайн вряд ли решит задачи клиента без чёткой и оригинальной концепции. Для творческого процесса нет универсальных инструкций, но есть множество техник и инструментов, которые помогают придумывать крутые идеи. Рассказываем про некоторые из них.

Из статьи вы узнаете:

  • как использовать сравнения и метафоры в дизайне;
  • как работают отсылки к искусству;
  • зачем искать вдохновение в сюжетах массовой культуры;
  • чем могут быть полезны ручная работа и компьютерные алгоритмы;
  • какие есть методы развития креативности;
  • как наладить рабочий процесс в онлайн-сервисах.

Пишет о дизайне в Skillbox, а в перерывах и сама орудует графическим планшетом. Влюблена в советские шрифты, японскую рекламу и русский язык.

Источники идей вокруг

Дизайнеры часто «крадут как художники»: вдохновляются чужим творчеством и переосмысливают его, делают отсылки к культурным явлениям, значимым событиям, актуальной социальной повестке.

Сравнения и метафоры

Сравнение — одно из самых эффектных выразительных средств, и не только в дизайне. Сравнения задают контекст, привлекают внимание, хорошо запоминаются, помогают увидеть неожиданные взаимосвязи и расширить понимание предмета. Метафоры — скрытые сравнения, когда одно понятие наделяют свойствами другого.

Вот несколько способов создать сильный визуальный образ с помощью сравнения:

1. Изобразить объекты рядом. Этот способ самый очевидный. Например, так работает сравнение в лаконичной рекламе Durex:

2. Заменить один объект другим. В этой рекламе река — это пар, исходящий от кофе:

3. Соединить объекты — с помощью фотомонтажа или рисованных иллюстраций:

4. Придать одному объекту свойства другого. Это может выражаться в движении, цвете, форме или текстуре. Например, в студии Jones Knowles Ritchie так стилизовали логотип Burger King для рекламной кампании в поддержку экологии. Бренд отказался от пластиковых игрушек в детских наборах и организовал акцию по переплавке ненужных изделий. Фирменному знаку придали вид плавящегося пластика:

Визуальные метафоры могут быть конвенциональными (то есть знакомыми и привычными) и неконвенциональными — незнакомыми. С первыми мы имеем дело каждый день — это иконки на нашем рабочем столе и веб-ресурсах. Личный кабинет обозначается как дом, а хранилище для файлов — как папка, такие обозначения ускоряют работу с интерфейсом. Но в рекламе и логотипах метафоры обычно неконвенциональные, ведь их задача — привлечь и удержать внимание:

В лингвистике отдельно выделяют метафорические сравнения с живыми объектами — олицетворения. В дизайне такой приём делает продукт или бренд более «человечным», дружелюбным, близким аудитории.

Отсылки к искусству

Искусство часто становится источником дизайнерских идей: во многих рекламных креативах используют фрагменты известных картин или скульптур.

В картинах можно найти сюжеты на все случаи жизни. Их можно сопоставлять с фотоизображениями, обыгрывать художественные приёмы живописцев или просто сэкономить на съёмке — заменив фотографию картиной. Для заимствования изображений в высоком разрешении даже есть бесплатный фотосток Artvee.

Впрочем, вдохновляться искусством можно, не заимствуя живописные полотна, а делая стилизацию под них. Вот пример рекламы от студии DDB: в её основе иллюстрация, имитирующая стиль ар-деко:

Чтобы сделать узнаваемую отсылку к искусству, не обязательно рисовать. Подтверждение тому — этот фотомонтаж в духе Пикассо от Mazda — машина превратилась в арт-объект:

Отсылки к прецедентным текстам и поп-культуре

Новости, исторические факты, литература, фольклор, мифы и мемы — это всё прецедентные тексты: сюжеты, знакомые большинству людей в той или иной социальной группе. Помимо них, людей объединяют и другие знания — например, о медийных личностях или крупных событиях. Все это тоже может послужить вдохновением для дизайна.

Когда на пике популярности были «Игра престолов», «Ход королевы» или другие сериалы, многие компании ссылались на них в своей рекламе.

А вот социальная реклама с изображением Бэтмена от студии Preuss und Preuss:

В айдентике отсылки к известным сюжетам и героям тоже используют — персонажи из мифов и истории часто становятся символами брендов. Один из известных примеров — русалка на логотипе Starbucks. Этот образ был выбран неслучайно: первая кофейня открылась в Сиэтле, а это портовый город. В названии бренда тоже фигурирует морская тематика: Starbuck — это имя моряка из романа «Моби Дик».

Новые техники вместо привычного софта

Несмотря на множество компьютерных программ, в дизайне часто используют оцифрованную акварельную иллюстрацию, каллиграфию или ручную печать. Случайно потёкшая краска или несовершенство контура может стать фишкой проекта.

Некоторые дизайнеры вдохновляются теми продуктами, с которыми работают. В «Логомашине» одно из слов для айдентики рынка написали морковкой, обмакнув её в тушь.

В поисках оригинальной идеи могут помочь компьютерные алгоритмы. Студия Артемия Лебедева объясняет целесообразность работы своей нейросети именно поиском креативных решений, на которые будет не способен опытный дизайнер, мыслящий в привычных рамках.

И даже без искусственного интеллекта программы могут выдавать уникальную графику. Такие упаковки сделали в Nutella с помощью алгоритма-рандомайзера:

Методы развития креативности

Из всего многообразия идей нужно как-то выбирать подходящие. На помощь придут методики развития креативности. Их существует бесконечное множество — возможно, у вас даже есть собственные. А если ещё нет, предлагаем познакомиться с несколькими популярными способами: с их помощью можно искать идеи для проектов.

Мозговой штурм

Это один из самых распространённых способов генерации идей в команде. Мозговой штурм представляет собой совместное обсуждение проекта с целью выдать как можно больше новых идей на заданную тему: включая нерелевантные и даже абсурдные. После этого этапа идеи оценивают и выбирают лучшие.

Для оценки идей может использоваться NUF-тест. В него входит три критерия: новизна, полезность и жизнеспособность. Идеи заносят в таблицу и оценивают по каждому критерию по десятибалльной шкале. Варианты, которые наберут больше всего голосов, можно рассматривать для дальнейшей работы.

Фрирайтинг

Метод свободного письма (фрирайтинг) — это письмо с ограничением по времени, без раздумий и редактуры. За 10–15 минут нужно изложить на бумаге свой поток сознания. Техника была известна ещё в восьмидесятые годы прошлого века, а в России стала популярна после выхода книги Марка Леви «Гений внутри». Цель метода — избавиться от самоограничений и перфекционизма, чтобы найти нешаблонное решение.

Писать что-то без отправной точки может оказаться очень непросто. Поэтому существует много способов фрирайтинга, которые конкретизируют задачу. Марк Леви приводит 15 таких способов. Например, предлагает написать о нерешённой проблеме, письменно объяснить профессиональные термины в своей сфере или сочинить беседу с несуществующим оппонентом. Во время свободного письменного рассуждения в голову может прийти интересный сюжет, аналогия или концепция, которая пригодится в работе.

Ментальные карты

Ментальные карты (они же интеллектуальные карты) — это способ визуализации процесса мышления. Впервые метод появился в шестидесятых годах прошлого века. Основа ментальных карт — построение логических связей.

В центре размещается главная задача, вопрос или ключевое слово. Затем добавляют ветви — основные идеи или категории, связанные с центральным объектом. Наконец, от каждой из ветвей выводят дочерние ветви с ассоциациями или подкатегориями.

Ментальные карты — универсальный инструмент, пригодный для любой мыслительной деятельности. В частности, с их помощью можно подобрать к ключевому слову ассоциации первого и второго порядка, систематизировать ответы на возникший вопрос или выявить важные этапы работы.

Метод Уолта Диснея

Этот способ использовал известный мультипликатор, а психолог Роберт Дилтс доработал его и популяризировал. Метод Диснея ещё называют методом трёх стульев. Он действует как подобие ролевой игры: нужно представить себя сначала мечтателем, потом реалистом, а затем критиком.

Для каждой роли желательно выделить рабочее пространство: поставить три стула в разных углах комнаты. Сидя на стуле мечтателя, следует мыслить позитивно и рассматривать любые, самые абсурдные идеи. Затем нужно пересесть на стул реалиста, проверить все идеи на жизнеспособность и отсеять ненужные. Последний стул — стул критика, на нём нужно обдумать все негативные последствия реализации оставшихся идей — трудности и риски. Те идеи, которые выдержат критику, можно смело воплощать в жизнь.

Сбор референсов

Насмотренность — важное качество дизайнера. Чтобы придумывать хорошие идеи для проектов, полезно ходить в музеи и на выставки, подписаться на аккаунты дизайнеров, фотографов и художников, чьи работы вдохновляют. Но запомнить всё невозможно, поэтому особенно понравившиеся изображения лучше сохранять и систематизировать.

Удобная коллекция референсов, в которой изображения разложены по папкам, может стать отправной точкой для начала любого проекта — просто откройте папку с нужной тематикой, и, возможно, там уже будет готовая идея.

Полезные инструменты

Организовать работу помогут онлайн-сервисы и приложения:

12 признаков, по которым дизайнеры определяют хороший дизайн — а значит и вы сможете

С точки зрения не-дизайнера рабочий процесс дизайнера кажется чем-то загадочным.

Откуда они знают, какой шрифт использовать? Почему цвета у них так классно сочетаются? Как получилось сделать афишу, от которой захватывает дух?

В дизайне нет правильных и неправильных ответов — это одна из причин, по которым дизайн кажется новичками сложным предметом.

Интересуетесь свежими статьями по дизайну? Вступайте в группу на Facebook.

Ищите системное погружение в тему? Загляните в блог для дизайнеров.

Если на работе в вашем распоряжении есть дизайнер, то считайте вам повезло. Но если вам — как и тысячам других владельцев небольшого бизнеса — приходится самому иметь дело с дизайном, этот процесс наверняка кажется вам очень сложным.

У нас есть удивительный план: сделать дизайн на рабочем месте невероятно простым. Именно поэтому мы собрали этот чеклист из 12 важных вещей, которые должен учитывать дизайнер, чтобы создавать прекрасный визуальный контент.

Готовы проверить, выглядит ли ваш дизайн на все сто? На протяжении всего процесса дизайна — когда планируете, проектируете, пересматриваете — задавайте себе следующие вопросы:

01. Есть ли в дизайне точка фокуса?

При написании книги или статьи, автор старается привнести в текст нечто “цепляющее”, чтобы привлечь читателей и удержать их. В дизайне точка фокуса выполняет ту же задачу. Это может быть картинка или графика, заголовок или предложение, или любой другой текст.

В качестве примера рассмотрим этот разворот журнала. На что мы смотрим в первую очередь? На еду, правда же? А все потому, что дизайн четко спланирован, чтобы привлекать внимание зрителя именно к еде. Благодаря простой, черно-белой типографике, яркие и четкие фотографии сразу бросаются в глаза. А еще, если приглядеться, можно заметить, что текст и линии “обрамляют” фотографию, явно направляя наш взгляд.

Невозможно сфокусировать внимание зрителей на каждом элементе дизайна, нужно выбрать самый важный. Этот важный текст или изображение — ваша точка фокуса — должен иметь самый большой визуальный вес (в первого взгляда выделаться на странице). Привлечь внимание к точке фокуса можно при помощи размера, формы, направления, расположения, цвета, текстуры или других характеристик.

На следующей картинке внимание в первую очередь привлекает цифра 5 (точка фокуса выбрана правильно, ведь она информирует зрителя о скидке): она большого размера, написана самым жирным шрифтом и она единственная выделена тонкой внутренней линией.

02. Направлен ли поток внимания?

Итак, точка фокуса — это стартовая точка взаимодействия с дизайном, а далее взгляд должен плавно переходить к изучению всех остальных элементов дизайна. Это обычно называется иерархией: элементы дизайна организованы и расположены на странице таким образом, что поток внимания зрителя направляется по определенному “пути” (от самого важного — точки фокуса — к менее важным элементам). Возможно поток внимания должен идти сверху вниз? или по диагонали? или от одного раздела к другому?

Когда все элементы дизайна расположены хаотично, и зритель не понимает, куда смотреть дальше — пропадает ощущение потока. Поток внимания также нарушается, если у вас нет точки фокуса (или их слишком много), или нет иерархии, или дизайн перегружен.

Чтобы направить поток внимания зрителя в дизайне, попробуйте сделать следующее:

  • Используйте повторение. Повторяющиеся элементы дизайна — такие как маркеры, нумерованные списки, линии или формы — направляют взгляд по нужному пути и облегчают навигацию. К тому же, повторение (если использовать его в меру) способно сделать дизайн более согласованным.

На этой иллюстрации мы видим, как повторяющиеся элементы ненавязчиво направляют наш взгляд и создают композицию. Горизонтальные линии повторяются в облаках, и в холмах на заднем плане, и в воде; а вертикальные — в пальмах, на доске для серфинга и на купальнике девушки. Эти повторяющиеся паттерны создают глубину, движение и ощущение согласованности.

В дизайне ниже прослеживается четкая иерархия: ее создают как секции, так и белое пространство. В левой части наиболее важная информация — дата и место проведения события — выделяется за счет расположения и размера слов. Расстояния между элементами согласованы, и дизайн не выглядит перегруженным: информацию достаточно просто прочитать. Разные цвета фона делят дизайн на четкие секции, у каждой из которых свое назначение: основная информация, логотип спонсора и форма RSVP.

03. Сбалансирован ли дизайн?

Когда картина на стене висит криво, нам так и хочется подойти и поправить ее. Не повторяйте такого в дизайне: если элементы дизайне не сбалансированы или не выровнены, это будет отвлекать зрителя от дизайна и его основной идеи.

Симметрия — один из самых главных помощников на пути создания сбалансированного дизайна. Симметричный дизайн — это дизайн, сбалансированный относительно центральной оси горизонтально, вертикально или радиально (то есть по кругу от точки фокуса). Мы на подсознательном уровне считаем симметрию более привлекательной, но кроме внешнего аспекта сбалансированный дизайн имеет и практическое назначение: он помогает создать иерархию и расставить приоритеты.

На этом логотипе мы видим два типа симметрии. Если провести вертикальную линию по центру, становится очевидно, что лейаут правой и левой частей практически идентичен — они являются зеркальными отражениями друг друга. Кроме того, лучи солнца в центральном элементе создают радиальную симметрию. В сочетании получается идеально сбалансированный, визуально привлекательных дизайн.

Отсутствие выравнивания также может нарушить баланс. Убедитесь, что текст и другие элементы дизайна выровнены относительно краев и друг друга. Дизайн будет выглядеть максимально согласовано, если использовать один и тот же тип выравнивания во всех параграфах и отрывках текста. Используйте сетку — это поможет вам при выравнивании элементов. (В инструменте Canva вы можете включить линии сетки при помощи следующих горячих клавиш: Cmd+ на Mac и Ctrl+ на Windows).

04. Сочетаются ли шрифты?

Типографика играет ключевую роль практически в любом дизайне. То, насколько хорошо вы подобрали шрифты, может сильно повлиять на привлекательность вашего проекта. Если шрифты не сочетаются между собой, это может отвлекать зрителя от содержимого и основной идеи дизайна.

Научиться подбирать гармоничные шрифты — непростая задачка: она основывается на знании основ типографики, практическом опыте, личных предпочтениях и интуиции дизайнера. В большинстве случаев достаточно подобрать для дизайна один шрифт с засечками и один — без засечек.

Но какие бы шрифты вы не выбрали, важно, чтобы настроение и характер шрифта были согласованы с идеей и назначением дизайна (поговорим об этом подробнее в пункте 9).

Если хотите глубже изучить тему комбинирования шрифтов, взгляните на это руководство: “10 золотых правил, которым нужно следовать при комбинировании шрифтов: советы дизайнера”.

05. Читается ли текст?

Если тексты в вашем дизайне невозможно прочесть, теряется сама цель дизайна, не так ли? Вы же не хотите, чтобы люди долго щурились в попытке найти номер телефона или адрес? Эти параметры способны повлиять на читаемость текста:

  • Размер. Иногда на экране шрифт выглядит гораздо крупнее, чем на печатном носителе. Убедитесь, что шрифт будет хорошо читаться в том виде, в каком будет использоваться ваш дизайн. К примеру, крупный шрифт совершенно ни к чему на визитке, а вот на плакате или билборде он сработает отлично. Если это возможно, распечатайте пробную версию вашей работы на принтере или сделайте онлайн-тест вашего дизайна, чтобы убедиться, что тексты хорошо читаются.

На этой визитке шрифты хорошо читаются благодаря использованию строчных букв, а также за счет контраста между темными и светлыми цветами.

На этом значке мы видим эффективное сочетание яркого показного шрифта с парой простых шрифтов без засечек. Стиль типографики (который идеально дополняет ретро-стиль всего дизайна) несет некое настроение и при этом остается разборчивым.

06. Сбалансированы ли форма и функция?

Дизайн может выглядеть классно, но плохо выполнять свою задачу: а именно выступать инструментом коммуникации. Это одна из самых сложных задач в веб-дизайне — сбалансировать форму и функцию. Ваш проект должен быть красивым, но при этом эффективно передавать свое сообщение.

Когда дизайнер забывает о сообщении и концентрируется только на внешнем виде дизайна, проект получается переполненным: слишком проработанный графический дизайн отвлекает, перетягивает на себя внимание. А ведь дизайн — это лишь одна составляющая продукта, которая отвечает за продажу, продвижение и привлечение подписчиков.

Эта иллюстрация для кукурузных чипсов Doritos очень эффективно “подружила” форму и функцию. Иллюстрация и цвета подобраны не случайно: они углубляют дизайн и поддерживают образ бренда. Горы (а также птицы и солнце) напоминают настоящие чипсы Doritos, а их цвета соответствуют разным вкусам.

07. Есть ли контраст?

Контраст не только делает дизайн красивее, но и выполняет важную функцию: он выделяет определенные элементы дизайна на общем фоне, подчеркивая их важность.

Контрастными могут быть не только цвета, стоящие по разные стороны цветового круга. В дизайне контрастировать могут формы, размеры, шрифты и другие элементы. Тем не менее, с контрастом можно переборщить (собственно, как и с любым другим дизайнерским приемом). Проверьте: не контрастируют ли элементы дизайна настолько сильно, что это раздражает? (Конечно, за исключением тех случаев, когда вы намеренно хотите вызвать раздражение).

В дизайне упаковки на этом рисунке контраст использован несколькими способами. Во-первых, здесь контрастные цвета: черные акценты выглядят более решительно в сочетании с ярко-желтым и оранжевым на белом фоне. Во-вторых, форма: округлые, органичные формы на картинке отлично контрастируют с прямыми, геометрическими формами букв (но при этом поддерживают круглую форму самой упаковки).

Если этот прием использован в дизайне правильно, то контрастирующие элементы выглядят подчеркнуто разными, но одновременно дополняют друг друга.

08. Правильно ли используется пространство?

В зависимости от дизайн-проекта в вашем распоряжении может быть разное количество пространства. Сложность заключается в том, чтобы создать привлекательный, сбалансированный дизайн в ограниченном размере. Но каким бы ни был этот размер — от визитки до билборда — существует ряд принципов расположения элементов в дизайне:

  • Близость. Близость — расположение взаимосвязанных элементов на небольшом расстоянии друг от друга (а несвязанных элементов на отдалении) — это простой принцип, который может сыграть огромную роль в дизайне. Группировка взаимосвязанных элементов автоматически делает дизайн более логичным и организованным.
  • Белое пространство. Концепция белого пространства в дизайне сводится к тому, чтобы обеспечить каждому элементу достаточно свободного места. Этого можно добиться при помощи полей, пустого места вокруг элементов и между ними, больших межстрочных интервалов и многого другого. В большинстве проектов вам достаточно будет просто найти золотую середину между занятым и пустым пространством в лейауте. Если оставить слишком мало белого пространства, дизайн будет казаться переполненным. Если белого пространства будет слишком много, пропадет эффект близости элементов, потеряется взаимосвязь между ними. Дизайн, в котором соблюден баланс между пустым пространством и заполненным, не только красиво выглядит, но и проще воспринимается.

В этом примере дизайна есть несколько точек фокуса, а вокруг них достаточно много свободного пространства. Благодаря этому зритель обращает больше внимания на эти точки. Благодаря тонким, легким шрифтам ощущение пространства только усиливается, а продукты остаются в центре внимания.

09. У дизайна подходящее настроение?

Цвета, стили шрифтов и другие элементы придают дизайну определенное настроение — возможно, игривое, серьезное или утонченно-элегантное? Убедитесь, что настроение дизайна соответствует его назначению, чтобы не вводить пользователей в заблуждение.

Этот баннер, к примеру, посвящен детскому конкурсу по раскрашиванию, который проводился в рамках Октоберфеста. Поэтому подобраны очень осенние цвета, а также веселые и причудливые шрифты. С серьезными шрифтами и серыми цветами дизайн был бы совершенно другим, и (что самое важное!) он не подходил бы настроению самого события.

10. Гармонична ли цветовая схема?

Цвет оказывает на нас глубокое подсознательное влияние — эмоциональное, психологическое, культурное — и играет огромную роль в нашем восприятии того или иного дизайна. Конечно, важно учитывать, какое настроение привносит в дизайн каждый цвет: желтый, цвет морской волны и коралловый несут энергию лета, а черный и золотой делают дизайн утонченным. Однако кроме настроения каждого отдельного цвета необходимо также продумать цветовую схему в целом.

Читайте также:  35 примеров посуды, которые превратят приготовление еды в настоящее удовольствие
Рейтинг
( Пока оценок нет )
Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!: